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Als absoluter Neuling im Umgang mit Ton habe ich viel von Nicky sowie durch meine eigenen Experimente und Erkundungen im Studio gelernt. Wir neigen dazu, uns einen viel einfacheren Prozess vorzustellen, in dem Künstler ihre Werke schaffen; Zum Beispiel formen Töpfer einfach etwas Ton auf einer Wurfscheibe, dekorieren ihn und brennen ihn, und schon hat man eine Schüssel. Es war ein Missverständnis, das ich hatte, bevor ich bei Habulous anfing. Tatsächlich sind bei der Herstellung eines Keramikstücks zahlreiche sorgfältige, technische und detaillierte Prozesse erforderlich. Ich selbst verkaufe meine Bilder und finde es auch immer frustrierend, wenn die Leute nicht erkennen, wie viel Arbeit in meine Kunstwerke gesteckt wird. Das liegt jedoch auch daran, dass es wahrscheinlich nicht ausreichend diskutiert wird, um die Menschen zu informieren. Wir sehen das Endergebnis nur als Käufer oder Betrachter, sodass wir die Länge der Prozesse hinter der Arbeit nicht erkennen oder manchmal nicht verstehen.
Als ich also lernte und im Atelier einige Keramikstücke herstellte, wurde mir klar, dass auch ich mir der Besonderheiten in diesem speziellen Kunstbereich nicht bewusst gewesen war. Nicky brachte mir zum Beispiel die Grundlagen von Ton bei, bevor er die Stücke herstellte, die im Habulous-Shop verkauft werden sollten: wie er mit Wasser reagiert, die verschiedenen Trocknungsstadien, die unterschiedlichen Brenngrade im Ofen und wie man ihn manipulieren kann. Anfangs dachte ich, man nehme einfach den Ton und bringt ihn in eine Form, aber jetzt habe ich gelernt, dass man sich immer darüber im Klaren sein muss, wie schnell er trocknet, um zu verhindern, dass er zu schwer zu verarbeiten ist, und auch, wie Feuchtigkeit ihn formen kann viel zu formbar, um damit zu arbeiten, oder wie ein einfacher feuchter Schwamm dabei helfen kann, es zu formen und zu glätten. Ich habe gelernt, dass die Beschaffenheit von Ton viel mit der Art der Bearbeitung zu tun hat, die man damit und damit machen kann.
Was ich auch nicht wusste, ist, dass wir die Stücke ein paar Mal abfeuern. Das erste Brennen, das normalerweise bei niedrigeren Temperaturen durchgeführt wird, ist als „Biskuit“ bekannt (was eigentlich Keks bedeutet, was mir gefiel). Dadurch wird der Ton hart und unempfindlich gegen Feuchtigkeit, aber dennoch spröde. Als nächstes glasieren wir die Stücke. Die Glasuren, die wir verwenden, neigen dazu, ein mattes, pastellfarbenes Aussehen zu haben, das sich zu meiner Ehrfurcht völlig verändert, wenn es ein letztes Mal bei höheren Temperaturen gebrannt wird, wodurch viel festere und lebendigere Farben sowie Bewegungen entstehen. Nach dem abschließenden Brennen sind die Teile wesentlich stabiler, aber offensichtlich immer noch zerbrechlich, wenn sie Stößen oder Stürzen ausgesetzt werden (was wir im Studio leider schon einige Male erlebt haben!).
Auch wenn ich das Werfen auf dem Rad noch nicht gelernt habe – etwas, das mir gesagt wurde, erfordert jahrelange Übung –, habe ich durch das Beobachten dennoch viel gelernt. Das Werfen ist definitiv nicht so einfach, wie ein Stück Ton hineinzuwerfen und ihn in wenigen Minuten auf magische Weise in die perfekte Form zu bringen. Jedes Stück durchläuft verschiedene Formen und Höhen, bis es zum gewünschten Stück geformt wird. Und selbst dann müssen sie in Größe, Gewicht, Durchmesser usw. möglichst ähnlich sein, damit sie verkauft werden können – das ist eine Menge Arbeit!
Bisher habe ich gelernt, wie man Töpfe mit der Hand ausschneidet (die, wie Sie vielleicht schon gesehen haben, tatsächlich die Köpfe unserer sehr beliebten hängenden Quallen-Luftpflanzen sind) und wie man sie einzeln ausschneidet, glättet, glasiert und glänzt kleine Keramikschmuckstücke (das Foto oben zeigt einen Vorgeschmack auf meine neuen Designs mit Nickys Glasuren) und geschnitzte Seifenschalen. Auch wenn es aus kreativer Sicht sehr viel Spaß macht, versuche ich immer noch, das Timing zu beherrschen und zu akzeptieren, dass Kunstwerke, insbesondere wenn man beabsichtigt, sie zu verkaufen, manchmal von einem effizienten und methodischen Standpunkt aus betrachtet werden muss, aber gleichzeitig achtsam bleiben muss wie wir möchten, dass unsere Stücke einzigartig sind.
